2025年12月2日下午，上海师范大学徐汇校区音乐学院小音乐厅迎来了“新时代艺术大讲堂”第二十二讲。演讲者是中央音乐学院研究员、博士生导师高拂晓先生，演讲题目为“音乐分析还是音乐表演分析”。本次讲座聚焦音乐学的重要议题，从理论阐释、案例剖析、技术实证等诸多维度，深入探讨音乐文本与表演实践的内在关联。我校音乐学院本科生、研究生及艺术学部博士生到场聆听。
讲座伊始，高老师从国内相关音乐分析教材切入，提出“音乐分析与音乐表演分析的边界与融合”这一核心议题，追溯议题缘起的学术背景，引发在场师生对固有音乐研究范式的反思。他指出，长期以来音乐研究存在文本分析与表演实践脱节的现象，而辨析二者之间的关系是推动音乐学发展的重要议题。
高老师以贝多芬钢琴作品为典型案例，以形式主义与表现主义的双重理论视角进行剖析，结合接受美学的核心观点提出“作品分析本身即是表演分析的重要组成部分”的观点，并引申出西方音乐发展中宗教性与世俗性的抗争脉络。为佐证这一观点，他分享了他的一篇针对音乐聆听体验的研究成果。从样本数据来看，聆听者对悲伤、悲痛、沉重这类情绪的体验形成普遍共识，对希望、憧憬的领会则低于悲伤情绪，对安详、忍受的精神境界体验几乎寥寥无几，而对哈腾重点描述的“圣歌般的、屈从的、超越的”音乐表现更是基本无人涉及。高老师指出，贝多芬音乐具有明确且丰富的表现内容，其情绪体验（如悲伤）具备穿越时空的普遍可理解性，但在深层内涵层面，中西方文化差异与个人经验在一定程度上决定了理解分野。哈腾对贝多芬该段音乐的表现性分析带有强烈宗教信仰色彩，强调“圣歌似的”风格与从“悲痛走向超越”的精神特质，而这类描述在我国文化语境中较少出现。他强调，用形容词标识的情绪、情感、思想、精神四个层次的音乐内涵并非孤立存在，而是从网状链接形式构成感知中的综合整体。
随后，高老师围绕经典音乐分析理论进行解析，引入申克音乐分析方法。申克分析体系强调对作品艺术价值的核心界定：以音乐的结构运动为根本，且明确提出表演存在层次之分。这种层次之别，就在于演奏者是否能运用音乐结构分析进行音乐表现。同时，他阐释了运用伦纳德·迈尔在节奏领域的研究方法论，通过对比二者的理论侧重，揭示不同分析路径对音乐表演的指导价值。在肖邦音乐研究部分，他介绍了尼古拉斯·库克教授借助热成像技术进行录音图像分析的方法，直观呈现出肖邦音乐中乐句拱形结构的“结尾增长”特征，为音乐表演分析提供了新的视角。
高老师进一步剖析了霍洛维兹、郎朗等中外著名钢琴家在演奏中的身体语言与表情特征，揭示演奏者如何通过肢体与情感表达传递音乐内涵；在斯克里亚宾神秘和弦的美学解读中，对比了作曲家本人与麦莎诺夫等演奏家的演绎版本，分析不同表演风格背后的美学取向与艺术表达逻辑。针对音乐表演的表现力问题，他以“霍洛维兹现象”为切入点，并结合一段表演视频指出：“这段视频将‘演奏家—听众—演奏家’”作为完整链条串联，把听众反应纳入表演表现力的接受维度，使表演的二度创造性在听众情感体验中不断深化。
高老师还提出，须在创作、表演和欣赏之间形成完整考察链条，对作曲家表现意图、表演家创造性阐释、欣赏者审美感受三个维度进行综合分析。作曲家意图须通过作品分析获取，涵盖体裁、题材、风格及乐谱表情术语等信息；演奏家的创造性阐释，既要从表现力的普遍共识中揭示杰出表演的标准，也要通过运音法、缓急法、力度等表演参数的个性处理（可引入不同版本比较），结合与作曲家意图的契合度权衡水准；欣赏者的审美感受则因体验层次不同而有差异，虽无好坏对错，但有体验强弱与理解深浅之别。
讲座的结尾，高拂晓研究员总结了音乐表演研究的核心范式，即“文本分析、音乐分析与表演分析三维共济”。他强调，音乐的研究须打破单一学科壁垒，将文本的静态分析、音乐本体的技术分析与表演实践的动态分析有机结合，以构建多维度、跨学科的研究框架。本次讲座深入厘清了音乐分析与音乐表演分析的内在关联，从诸多角度拓展了音乐研究的学术视野。
讲座由刘洪教授主持。
（撰文：张雪锋；摄影：李祯）
